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PALMARÉS

Espiga de Oro Mejor Largometraje – 'THE NILE HILTON INCIDENT', de Tarik Saleh
Espiga de Plata Largometraje – 'THE RIDER', de Chloé Zhao
Premio al Mejor Director – Tarik Saleh, por 'THE NILE HILTON INCIDENT'
Premio Miguel Delibes al Mejor Guión –'THE NILE HILTON INCIDENT', de Tarik Saleh
Premio Pilar Miró al Mejor Nuevo Director – 'THE RIDER', de Chloé Zhao
Premio al Mejor Actor – Brady Jandreau, por 'THE RIDER'
Premio a la Mejor Actriz (ex-aequo)– Laetitia Dosch, por 'JEUNE FEMME' y Agnieszka Mandat-Grabka, por 'POKOT'
Premio a la Mejor Dirección de Fotografía – Ágnes Pákózdi, por 'ME MZIS SKIVI VAR DEDAMICAZE (Soy un rayo de sol en la Tierra)'
Espiga de Oro Cortometraje – 'NEGAH (La Mirada)', de Farnoosh Samadi
Espiga de Plata Cortometraje – 'A DROWNING MAN', de Mahdi Fleifel
Premio Mejor Cortometraje Europeo - 'KAPITALISTIS', de Pablo Muñoz Gómez
Premio del Público Sección Oficial – 'L'INSULT', de Ziad Doueiri
Premio FIPRESCI – 'DAHA', de Onur Saylak
Premio Seminci Joven – 'DAHA', de Onur Saylak
Sociograph Award – 'L'INSULT', de Ziad Doueiri
Premio al Mejor Largometraje Punto de Encuentro – 'ŠPÍNA (ASCO)', de Tereza Nvotová
Mención Especial - 'AALA KAF IFRIT (La Bella y la Jauría)', de Kaouther Ben Hania
Premio al Mejor Cortometraje Extranjero Punto de Encuentro - 'BRITISH BY THE GRACE OF GOD', de Sean Dunn
Mención Especial – 'AWASARN SOUN MAN (La muerte del técnico de sonido)', de Sorayos Prapapan
Premio al Mejor Cortometraje Español Punto de Encuentro – 'MATRIA', de Álvaro Gago
Premio del Público Punto de Encuentro – 'AS DUAS IRENES', de Fabio Meira
Premio de la Juventud Punto de Encuentro –'AALA KAF IFRIT (La Bella y la Jauría)', de Kaouther Ben Hania
Primer Premio Tiempo de Historia – 'LA LIBERTAD DEL DIABLO', de Everardo González
Segundo Premio Tiempo de Historia – 'DINA', de Dan Sickles y Antonio Santini
Mención Especial - 'BAYANG INA MO (Tierra Natal)', de Ramona S. Díaz
Premio Cortometraje Documental - 'WHAT HAPPENED TO HER', de Krysty Guevara-Flanagan
Premio Castilla y León en Corto (ex-aequo) – 'VIDA Y MUERTE DE JENNIFER ROCKWELL', de Javier Roldán y 'YA NO TE QUIERO', de Francisco Hervada Martín
Mejor Documental Nacional de Doc. España – 'VERABREDUNG', de Maider Oleaga
Mención Especial - 'SINGLED (OUT)', de Mariona Guiu y Ariadna Relea
Espiga Arco Iris - 'THE PARTY', de Sally Potter
Mención Especial - (cortometraje) 'J'AIME LES FILLES', de Diane Obomsawin
Blogos de Oro a Mejor Película de Sección Oficial - 'L'INSULT', de Ziad Doueiri

 

CRITICAS

SECCIÓN OFICIAL

'THE NILE HILTON INCIDENT' de Tarik Saleh (Suecia)
Intérpretes: Fares Fares, Mari Malek, Yasser Ali Maher, Ahmed Selim, Slimane Dazi, Hania Amar, Hichem Yacoubi, Mohamed Yousry.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Noredin Mustafa es un agente corrupto más de la policía del Cairo. A él le corresponde investigar el asesinato de una cantante en una habitación del hotel Nile Hilton. Pronto descubre que la fallecida mantenía una relación secreta con el propietario del alojamiento, un promotor inmobiliario adinerado y miembro del parlamento. Mientras intenta localizar a la única testigo, una camarera sudanesa sin papeles, recibe repentinamente la orden de cerrar el caso. Sin embargo, Noredin prosigue con sus pesquisas, que le llevan hacia una élite 'intocable' que dirige el país inmune ante la justicia.

'The Nile Hilton Incident' fue la gran triunfadora de esta edición de la Seminci, consiguiendo la Espiga de Oro a la Mejor Película, así como los premios a Mejor Director y Mejor Guion, los tres premios "gordos", vamos. La película ya venía con otro premio debajo del brazo, el Gran Premio del jurado en la sección World Cinema Dramatic en Sundance 2017. Y es que la película fue una de las sorpresas agradables de esta edición. Tal vez, los cinéfilos más puritanos y acólitos representantes del cine de autor, desdeñarán esta propuesta por pertenecer al género policiaco, pero es un thriller dramático perfectamente ejecutado que utilizando las claves básicas del género lo transciende con una quirúrgica plasmación de la sociedad egipcia en plena revolución social de principios de década que se denominó como la "Primavera Árabe". De ese modo, contemplaremos una sociedad fracturada que sucumbre ante podredumbre de la corrupción política y policial, donde el protagonista, un héroe con sus clarososcuros, intentará mantener un mínimo de dignidad personal para continuar con una investigación que se le complica y veta por todas las instituciones reglamentarias. 'The Nile Hilton Incident' funciona como un reloj, sin rehuir algunos lugares comunes del cine policiaco, mantiene en todo momento la tensión dramática de su intriga en un contexto que supone un valor añadido para entener las acciones y motivaciones de sus personajes. Con un desenlace que resulta desolador y esperanzador a partes iguales en un plano que globaliza los cambios en un sociedad que empieza a caminar hacia un nuevo estatus, donde la libertad debe ir imponiéndose poco a poco sobre la opresión del caos de un régimen que se desmorona. La película está protagonizada con solvencia por Fares Fares, actor sueco de orígen libanés, y está escrita y dirigida por Tarik Saleh, sueco de orígen egipcio, que hasta ahora se había movido principalmente en el género documental y el vídeoclip. De mis favoritas de esta edición.

 

'THE RIDER' de Chloé Zhao (Estados Unidos)
Intérpretes: Brady Jandreau, Tim Jandreau, Lilly Jandreau, Cat Clifford, Terri Dawn Pourier, Lane Scott, Tanner Langdeau, James Calhoon, Derrick Janis.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Brady, un vaquero joven estrella incipiente del rodeo, ve su frustrada su carrera después de un trágico accidente a caballo. Al volver al hogar, Brady se encuentra con que ha de plantearse de qué vivir ahora que ya no puede dedicarse a lo que da sentido a su vida: montar y competir. Para retomar el control de su destino, emprende la búsqueda de una nueva identidad e intenta redefinir su concepto de lo que implica ser un hombre en pleno corazón de Estados Unidos.

'The Rider' fue una de las mejores películas que pudimos ver esta edición de Seminci. Llegaba con el premio Art Cinema en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes de 2017 y se marchó con la Espiga de Plata a Mejor Película, el Premio ‘Pilar Miró’ al Mejor Nuevo Realizador y el Premio al Mejor Actor para su protagonista, Brady Jandreau, siendo apludida por la mayor parte de la crítica. El film trata con extrema sensibilidad y realismo la historia de un jinete de rodeos que debe aprender a convivir con la posibilidad de su prematura retirada tras una mala caída que le ha dejado secuelas físicas, con todo lo que conlleva hacerlo en un mundo competitivo y machista donde los que muestan su debilidad son excluidos. La película podía caer fácilmente en el melodrama lacrimógeno, además de los problemas del protagonista, veremos que su hermana tiene una discapacidad mental y que su mejor amigo se encuentra en un hospital con secuelas motrices aún más graves que él debido a una caída durante otro rodeo, pero la delicadeza de la narrativa de la joven directora Chloé Zhao, sortea con habilidad y a base de mucha verdad todos esos obstáculos que podían haber convertido su obra en un telefilm de sobremesa. Zhao, guionista y directora china afincada en Estados Unidos, se empapa de la cultura yanqui y nos relata una historia inspirada en hechos reales (algunos de los protagonistas se interpretan a sí mismos o rememoran hechos reales que les acontecieron), sobre la necesidad de adaptación, sobre la lucha por conservar un estilo de vida y sobre como sobreponerse a la amargura de los reveses de la vida. Lo hace a través de imágenes bellísimas, con una fotografía exquisita de Joshua James Richards y un lirismo casi documentalista que nos hace sentir que todo lo que vemos rezuma verdad. Zhao nos presenta una norteamérica icónica en busca de la perfección que abandona a los que no pueden ser competitivos igual que se sacrifica a los caballos de carreras cuando se rompen una pata. También es una película que muestra el amor por la naturaleza y por los animales, desde una óptica que los animalistas más extremos no compartirán, como en esas extensas y magníficas secuencias donde el prota, un estupendo Brady Jandreau, doma a los caballos con un realismo que nunca antes se había visto en una pantalla de cine. Pero, sobretodo, 'The Rider' es cine lleno de emociones, triste y esperanzador al mismo tiempo.

 

'L' INSULTE (El Insulto)' de Ziad Doueiri (Líbano / Francia / Estados Unidos / Bélgica / Chipre)
Intérpretes: Adel Karam, Christine Choueiri, Kamel El Basha, Rita Hayek, Talal Jurdi, Camille Salameh, Diamand Bou Abboud, Christine Choueiri.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Durante la renovación de la fachada de un edificio de Beirut, Toni, un cristiano libanés, y Yasser, un refugiado palestino, discuten a raíz de un problema trivial con una tubería. Acaban a gritos y Yasser insulta a Toni, que se siente agraviado y decide presentar una denuncia. Se desata rápidamente una espiral endiablada y se abre un juicio largo y ampiamente difundido en el que palestinos y cristianos libaneses saldan cuentas pendientes.

'L' Insulte' fue uno de los platos fuertes de esta edición del Festival, siendo uno de los que unánimente logró mejor acogida entre público y crítica, aunque quedó ausente de los premios oficiales del Jurado. Se trata de un drama que nos habla de la intransigencia, de los prejuicios y de la reconciliación, a través del enfrentamiento de dos hombres, uno palestino y el otro libanés, que tras una pequeña disputa por una anécdota absurda, terminarán en los tribunales internacionalizando su conflicto personal que acabará convirtiéndose en una confrontación social que sacará a relucir las heridas del pasado. Salvando las distancias, la película refleja a la perfección la situación actual del conflicto en Catalunya y es inevitable viendo la cabezonería y la huída hacia adelante de los dos protagonistas, pensar en nuestros propios políticos. 'L'insulte' aborda la historia con una planificación sencilla y cercana, apuntando los detalles necesarios para comprender las motivaciones de sus personajes, con un inevitable tono naïf en la moraleja que desprende, pero como única vía de escape necesaria ante cualquier conflicto que se salga de los cauces lógicos de convivencia (como ha sucedido en Catalunya, especialmente para los que vivimos allí). Tanto Adel Karam como Kamel El Basha (que obtuvo la Copa Volpi en el pasado Festival de Venecia), logran dar la credibilidad necesaria a sus personajes y sus puntuales encuentros son lo mejor de la película que, tal vez, peca de subrayar en demasía algunas cuestiones, especialmente durante la parte judicial, pero que se entienden como sobreexplicaciones necesarias para trasladar una radiografía completa de la situación al espectador ajeno al conflicto social real que se vive en aquellos países. Resulta curioso comprobar que el director libanés de esta película, Ziad Doueiri, autor también del guión junto a Joëlle Touma, fue ayudante de cámara en las primeras películas de Quentin Tarantino, muy diferentes estéticamente a su trabajo y con las que no parece guardar ningún punto en común, pero que sí comparten la capacidad de generar tensión dramática y mostrar un dinamismo inaudito en secuencias de diálogo y sin apenas acción. La película obtuvo el Premio Blogos de Oro (que se concedía por primera vez este año), el Premio del Público y el Sociograph Award 2017 a la película más emocionante de la 62 edición (premio que se concede monitorizado las emociones de los espectadores durante las proyecciones).

 

'JEUNE FEMME (Montparnasse Bienvenue)' de Léonor Serraille (Francia / Bélgica)
Intérpretes: Laetitia Dosch, Grégoire Monsaingeon, Souleymane Seye Ndiaye, Léonie Simaga, Nathalie Richard, Érika Sainte, Lilas-Rose Gilberti, Audrey Bonnet.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Sin dinero, con su gato como única pertenencia y con puertas que se le cierran en las narices, Paula está de nuevo en París tras una larga ausencia. Según va coincidiendo con distintas personas, hay una cosa de la que está totalmente segura: va a recomenzar su vida desde cero, y lo hará con estilo y salero.

'Jeune Femme' fue otra de las películas de esta edición de Seminci que se centraban en la mujer y en su liberación en el ámbito social desde un punto de vista totalmente femenino ya que la película estaba escrita y dirigida por una mujer, Léonor Serraille. La película que venía con la vitola de haber ganado la Cámara de Oro en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, a mi no terminó por convencerme. El film se inicia con una secuencia horrible rodada en un plano secuencia fijo donde la protaogonista, Laetitia Dosch (Premio a la Mejor Actriz, exaequo con Agnieszka Mandat-Grabka, por su papel en 'Pokot'), realiza un monólogo histérico mirando directamente a cámara mientras asistimos perplejos a los continuos desenfoques y correcciones del foco automático que se van produciendo al utilizar una óptica que coloca la cámara demasiado cerca del rostro de la actriz que no para de moverse. Es algo injustificable para mí y algo a lo que el público actual parece haberse habituado sin rechistar desde la implantación del cine digital, los planos desenfocados o que se desenfocan. Entiendo que es un recurso que puede ser utilizado en ocasiones y en otras incluso ser necesario para mostrar un estado de ánimo o un estilo narrativo, pero en esta ocasión es simplemente dejadez por no querer utilizar otro encuadre, otra óptica de cámara o simplemente repetir la toma. A partir de ahí, la película sigue a su protagonista, un personaje que al principio te saca literalmente de quicio y que, por suerte, a medida que avanza la proyección se va calmando y resulta más comprensible e interesante para el espectador, llegándose a encariñar con esa niña grande. 'Jeune Femme', ópera prima de Serraille, nos muestra el aprendizaje de una mujer que debe rechacer su vida y enfrentarse a su soledad para descubrirse a sí misma y encontrar a una mujer diferente, más fuerte e independiente. Sin embargo, pese a que la segunda mitad del film es mucho más acertada y Laetitia Dosch brilla en su personaje, la historia tampoco acaba por contar nada que no hayamos visto mil veces antes y con mejor pulso narrativo que en esta ocasión.

 

'DAHA (More)' de Onur Saylak (Turquía)
Intérpretes: Ahmet Mümtaz Taylan, Hayat Van Eck, Turgut Tunçalp, Tankut Yıldız, Tuba Büyüküstün, Kağan Uluca, Ahmet Melih Yılmaz, Uğur Arslan.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Gaza es un niño de 14 años que vive en la costa turca del mar Egeo. Junto a su autoritario padre, colabora en el tráfico de refugiados hacia Europa proporcionándoles alojamiento temporal y un escueto sustento hasta que inician su travesía. Sueña con dejar atrás esta vida de delincuencia, pero no puede impedir caer en un universo de inmoralidad, explotación y sufrimiento humano. ¿Es posible evitar convertirse en monstruo si has sido criado por uno?

'Daha' es un contundente y controvertido drama turco basado en la novela homónima de Hakan Günday que supone la ópera prima de Onur Saylak que participa en la adaptación del guion junto al propio novelista y Doğu Yaş ar Akal. La película nos muestra el terrible drama de los refugiados, pero desde el punto de vista de las personas que trafican con ellos para obtener un beneficio económico. A partir de ahí, se nos muestra la relación de un padre y un hijo que regentan el "negocio" del tráfico de esas personas, alojándolos en un sótano de su casa mientras esperan una llamada para traspasar la frontera mediante una barca. En esos días de tensa espera, se producirá el distanciamiento entre la tiranía de un padre autoritario que ve a los refugiados como simple mercancía y el joven adolescente que sentirá mayor empatía por ellos, enamorándose de una de las chicas y compartiendo momentos con ellos en su refugio que le hacen dudar de las decisiones de su padre, cuestionando su autoridad. 'Daha' tiene imágenes poderosas y siempre mantiene un álgido punto de tensión dramática, sin embargo, su tercer acto busca el impacto más fácil y provoca un giro inesperado e innecesario en la actitud de uno de los personajes para justificar un discurso negativo y pesimista sobre la condición humana, donde no tiene cabida la esperanza ni la salida a un círculo vicioso de maldad y salvajismo. Una lástima que novelista y director opten por ese giro poco comprensible (al menos tal y como está planteado), en lugar de intentar mantener hasta el final el enorme realismo que desprende la película. Aún así, es una película de gran interés que obtuvo el Premio Fipresci de la Crítica y el Premio de la Juventud. A reseñar igualmente las estupendas interpretaciones de Hayat Van Eck y Ahmet Mümtaz Taylan.

 

'HIKARI (Hacia la luz)' de Naomi Kawase (Japón / Francia)
Intérpretes: Masatoshi Nagase, Ayame Misaki, Tatsuya Fuji, Kazuko Shirakawa, Misuzu Kanno, Mantarô Koichi.

(Sección Oficial)

Sinopsis: A Misako le gusta describir los objetos, los sentimientos y el mundo que la rodea. Su profesión como audiodescriptora de películas es toda su vida. Durante una proyección, conoce a un famoso fotógrafo cuya vista se deteriora irremediablemente. Nacen entonces sentimientos irreprimibles entre un hombre que pierde la luz y una mujer que la persigue.

'Hikari' es la última obra de Naomi Kawase, directora japonesa de gran sensibilidad que ya demostró su capacidad poética en films como 'El bosque del luto' (2007) o 'Aguas tranquilas' (2014), pero que también abrazó el melodrama de estructura narrativa más comercial con su anterior obra 'Una pastelería en Tokio' (2015), todo un éxito de público en los circuitos independientes de salas comerciales y con la que consiguió el premio a Mejor Director en la 60ª Edición de Seminci 2015. Con 'Hacia la Luz', presentada en Cannes y acogida con frialdad por parte de la crítica desplazada a Seminci 2017, auna ambas vertientes de su cine con un drama de enorme belleza y desbordante emotividad. 'Hacia la Luz' se centra en la compleja relación entre un fotógrafo arisco que se ha quedado ciego y una joven ingenua que trabaja como audiodescriptora de películas para ciegos, un tema tan fascinante como difícil de extrapolar a lenguaje cinematográfico. Al encontrarse esos polos opuestos, cada uno aportará al otro parte de su mundo, el hombre enseñará a la chica la capacidad de fotografiar las emociones más allá de las imágenes y ella le ayudará a él a recuperar las emociones que abandonó al no saber enfrentarse a su desgracia. Un viaje iniciático hacia la luz, hacia la esperanza, hacia el redescubrimiento de la vida y la felicidad, superando el dolor y escalando las montañas que nos impiden ver el camino a recorrer. La película está protagonizada con la entrega necesaria por Masatoshi Nagase y una bellísima Ayame Misaki, todo un descubrimiento para mi. Un film que camina constantemente por el filo del melodrama inflado, pero sin caer nunca en el sentimentalismo facilón, con una fuerte carga poética tanto en lo visual como en lo lírico, utilizando Kawase unos constantes primerísimos primeros planos de sus personajes para acercarnos a su piel, dando una enorme fisicidad a su narrativa. Algunos la tachan de caer en lo sensiblero y el tema daba para ello, pero más allá de una innecesaria resolución romántica de la relación, la película es una madura reflexión sobre nuestra forma de mirar, sobre lo que vemos y sobre lo que sentimos, también sobre mantener intacta nuestra capacidad para imaginar, crear y sorprendernos. Una maravilla para amantes del cine nipón.

 

'SWEET COUNTRY' de Warwick Thornton (Australia)
Intérpretes: Sam Neill, Ewen Leslie, Thomas M. Wright, Bryan Brown, Matt Day, Anni Finsterer, Hamilton Morris, Tremayne Trevorn Doolan.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Sam es un aborigen de mediana edad que trabaja en las propiedades de un amable pastor religioso, Fred Smith. Cuando Harry March, un hombre resentido y malhumorado, vuelve del frente occidental, Sam y su familia son enviados a colaborar en la restauración de su rancho. La relación entre ambos se complica rápidamente hasta el punto en que Sam, intentando salvar su propia vida, mata a Harry en un violento tiroteo. Se convierte así en un criminal perseguido por asesinar a un hombre blanco, lo que le obliga a huir junto a su mujer hacia el inhóspito interior de Australia. El sargento Fletcher lidera una campaña de búsqueda y captura para localizarlos, pero pronto comienzan a conocerse los detalles del suceso y la población local empieza a dudar de la justicia de esta cacería.

'Sweet Country' es un western con una fuerte carga social que denuncia los abusos sufridos por el pueblo aborígen australiano y la esclavización que sufrieron a manos de los colonos. La película está rodada con solvencia y cuenta con una estupenda fotografía del propio director, Warwick Thornton, un artista interdisciplinar que nunca pierde de vista su visión comrpometida con los orígenes de su país natal, tanto en sus instalaciones artísitcas como en sus creaciones para la gran pantalla. Con su tercer largo de ficción, 'Sweet Country, consiguió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia y el Premio a la mejor película en la sección Platform del Festival de Toronto. Es un film de narrativa clásica que introduce algunos elementos distorsionadores como esos breves insertos a modo de planos en flashback o flashforward que alertan al espectador sobre detalles que completan el pensamiento de los personajes ante determinadas acciones. Es un recurso que se usa poco y se abandona en el tramo final, resultando algo desconcertante. En otro sentido, la película explica una historia donde los acontecimientos suelen ser previsibles, pero no por ello menos impactantes, consiguiendo mantener la tensión del relato hasta el inevitable trágico final, dejando una semilla de esperanza para el cambio generacional. Con un buen trabajo de todo el reparto, donde nos encontramos con algunos caras conocidas como la de Sam Neill o la de un brillante y despiadado Bryan Brown. La película alterna secuencias magníficas como la persecución por el desierto, con otras más funcionales como la del juicio, pero se trata de un buen film que recupera el sabor del western de antaño, con una mayor atención al retrato y la denuncia social.

 

'GABRIEL E A MONTANHA (Gabriel y la montaña)' de Fellipe Gamarano Barbosa (Brasil / Francia)
Intérpretes: João Pedro Zappa, Caroline Abras, Alex Alembe, Lenny Siampala, John Goodluck, Rashidi Athuman, Rhosinah Sekeleti, Luke Mpata.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Antes de comenzar a estudiar en una prestigiosa universidad de Estados Unidos, Gabriel decide pasar un año recorriendo el planeta. Lleva su mochila repleta de sueños. Tras diez meses de viaje, llega a Kenia, en donde se le une su novia. Sin embargo, Gabriel no se conforma con contemplar África como un turista y opta por ir más allá. Continúa solo en un recorrido en el que atraviesa países, forja nuevas amistades y experimentación.

'Gabriel e a Montanha' es un drama de aventuras inspirado en hechos y personajes reales que a mi me pareció una de las sorpresas de esta Sección Oficial. La película se centra en relatar el trayecto del viajero por distintos países africanos, descubriendo junto al espectador los parajes, constumbres y hospitalidad de los lugareños con los que se va cruzando e intercambiando experiencias, pese a que desde el inicio conocemos su trágico desenlace por culpa de su propia imprudencia. La película se excede en un metraje innecesariamente largo que rebasa las dos horas, el film se hubiera podido podar en la sala de montaje, especialmente en la parte que desarrolla la relación del aventurero con su novia, donde la trama se vuelve más convencional e irrelevante. Y es que la película no tiene una narrativa convencional en el sentido estricto de presentar un guion perfectamente estructurado, sin embargo, la película engancha al espectador en su viaje de confrontación del hombre ante la inabarcable naturaleza, haciéndole sentir el vértigo de la aventura del descubrimiento y la necesidad de libertad del ser humano, desde un punto de vista cercano y sencillo, sin la búsqueda del melodrama ni el adoctrinamiento, Fellipe Gamarano Barbosa prefiere seducirnos desde la emoción aventurera y la vitalidad que desprende el personaje protagonista, un estupendo João Pedro Zappa.

 

'FOXTROT' de Samuel Maoz (Israel / Alemania / Francia / Suiza)
Intérpretes: Lior Ashkenazi, Sarah Adler, Yonathan Shiray, Dekel Adin, Yehuda Almagor, Shaul Amir, Gefen Barkai, Ran Buxenbaum.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Michael y Dafna quedan desolados tras la visita de unos funcionarios del ejército que les comunican el fallecimiento de su hijo, Jonathan. La frustración de él va en aumento por el duelo afectado de sus familiares y la bienintencionada burocracia militar. Mientras su esposa descansa sedada, él se sumerge en un torbellino de indignación en el que experimenta uno de esos giros inexplicables que da la vida y que compite en surrealismo con las experiencias marciales de su hijo.

'Foxtrot' es un drama extraño que polarizó como ningún otro la opinión del público, saliendo gente de la sala que la consideraba como una Obra Maestra y otros que renegaron de todas sus virtudes, yo me posiciono en un término medio porque, en realidad, la película parece estar formada por al menos dos películas distintas. Aunque relacionados temáticamente, los distintos fragmentos que componen la película podrían formar parte de proyectos independientes, eso descoloca y te distancia del fondo de su historia. Tampoco son emparentables dichos fragmentos en su presentación estilística que incluyen incluso hasta una innecesaria secuencia de animación en mitad de su narrativa para despistar aún más. Si dividiéramos la película en tres grandes bloques, el primero y el tercero son los que se asemejan más. Samuel Maoz se muestra ahí bastante pesado y reiterativo en su plasmación del dolor humano ante una tragedia inesperada y ante la corrosión que provoca el recuerdo de otra tragedia del pasado. Planos y silencios eternos, demasiada transcendencia bergmaniana y poca sustancia real más allá de un interesante giro de guion en la parte inicial, todo lo contrario que en la parte de su desenlace que se eterniza hasta el bostezo y deja al relato varado en la orilla del tedio para contar algo que nos esperamos desde el inicio. Mucho más atractiva me parece la parte central del relato que parece pertenecer a una narrativa totalmente distinta. En esa parte, asistiremos al día a día rutinario de unos soldados en un puesto fronterizo, un lugar que parece deliberadamente extraído de un relato de ciencia-ficción más que buscar una representación realista, pese a que los hechos que suceden sí lo son. Un lugar atmosféricamente absorbente, aislado entre la neblina y sumergido en el lodo como el propio barracón donde duermen los soldados y que cada día se va inclinando como un barco en pleno naufragio. También el tratamiento sonoro de esta parte es especial, con el fondo de ese programa de radio nocturno y nostálgico, donde puede sonar una canción de Foxtrot que uno de los soldados coreografie de manera espasmódica. Si toda la película se hubiera encaminado por el estilo de esta parte central, sin duda, hubiera sido un trabajo mucho más redondo, pero le pesa la ambición y pretenciosidad del resto. 'Foxtrot' obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia, pero se fue de vacío de Seminci.

 

'SAGE FEMME (Dos mujeres)' de Martin Provost (Francia / Bélgica)
Intérpretes: Catherine Frot, Catherine Deneuve, Olivier Gourmet, Quentin Dolmaire, Mylène Demongeot, Pauline Etienne, Audrey Dana, Pauline Parigot.

(Sección Oficial - Fuera de Concurso - Clausura)

Sinopsis: Claire es una maravillosa comadrona con un talento natural con el que trae los niños al mundo con gran dulzura. Sin embargo, con los años, su esmero, su sentido del orgullo y su responsabilidad chocan con los métodos de los hospitales modernos, más orientados a la eficiencia. El final de su carrera laboral cada vez está más cerca y comienza a cuestionarse a sí misma su utilidad y capacidades. Un día recibe una llamada desconocida; es una voz del pasado. Béatrice, la estrafalaria y frívola amante de su difunto padre, tiene importantes novedades que contarle urgentemente y desea volver a verla. Hace treinta años que desapareció sin dejar rastro. Claire, formal hasta la médula y rozando lo cohibido, y Béatrice, de espíritu libre y vividor, son totalmente opuestas, pero aprenderán a aceptarse mutuamente y se irán revelando viejos secretos que harán que empiecen a olvidar los años perdidos.

'Sage Femme' es una comedia dramática francesa tan agradable como olvidable, que fue la escogida para clausurar, fuera de concurso, la estupenda Sección Oficial de este año. Si el año pasado nos despedimos con otro film francés, la estupenda y reivindicable 'El Hijo de Jean' (Philippe Lioret, 2015), este año, 'Sage Femme', ha puesto un broche más discreto, pero amable. Comedia vitalista del reencuentro de dos mujeres opuestas que deben recuperar el tiempo perdido de su relación familiar y hacerlo rápido, porque la vida ya le ha puesto un cronómetro que descuenta el tiempo que le queda de vida a una de ellas. Con la muerte como espectadora voyeur, la película es luminosa y entretenida, contiene un hermoso duelo interpretativo de las dos actrices protagonistas, Catherine Frot y Catherine Deneuve, y algunas bonitas reflexiones bienintencionadas sobre el perdón y disfrutar de la vida tal como viene. Pero en el fondo, la película escrita y dirigida por Martin Provost, resulta bastante intranscendente y ligera, aunque utiliza con acierto sus recursos para acercarse al público.

 

'UNDIR TRÉNU (Bajo el árbol)' de Hafsteinn Gunnar Sigurðsson (Islandia / Polonia / Dinamarca / Alemania)
Intérpretes: Steinþór Hróar Steinþórsson, Edda Björgvinsdóttir, Sigurður Sigurjónsson, Þorsteinn Bachmann, Selma Björnsdóttir, Lára Jóhanna Jónsdóttir.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Agnes echa de casa a Atli y no quiere que vea a su hija Ása nunca más. Él se muda con sus padres, que están envueltos en una amarga disputa debido a que su imponente y hermoso árbol da sombra al patio de los vecinos. Mientras Atli lucha por el derecho a ver a su hija, la confrontación vecinal se intensifica: daños sobre la propiedad, mascotas que desaparecen misteriosamente, montaje de cámaras de seguridad... y se rumorea que han visto al vecino con una motosierra.

'Undir Trénu' es una película curiosa, pero extraña y fallida. Con una historia perfecta para desarrollar una tronchante comedia negra, con elementos de muy mala baba en su argumento, el film no acaba por encontrar nunca el tono adecuado para comunicarse con el espectador, tal vez, sea por la frialdad típica del cine islandés o por la diferencia cultural que nos separa, pero no acabo de conectar con la propuesta que parece presentarse en un formato de melodrama familiar que rehuye su parte cómica. Tercer obra de largo del director Hafsteinn Gunnar Sigurðsson, cuyo primera 'Either Way' (2011) tuvo un "remake" norteamericano 'Prince Avalanche' (David Gordon Green, 2013) y la verdad es que mientras veía su nuevo trabajo pensaba que su historia podía ser propicia para otro "remake" efectuado por alguien con más sentido del humor o con un sentido del humor más internacional. El argumento se regodea en las miserias de las relaciones humanas, las sentimentales, las familiares y las vecinales, y de como los conflictos pueden sacar lo peor de cada uno. Aunque el planteamiento es atractivo y algunas situaciones son originales (y otras, como la del perro, son absolutamente geniales), el resultado es tosco e irregular, las diversas tramas no acaban de acompasarse adecuadamente (la subtrama de la separación parece una película independiente de la subtrama de la disputa por el árbol), aún así, el film se deja ver con agrado, con menos carcajadas de las que merecería. Buen trabajo de todo el reparto.

 

'PTAKI SPIEWAJA W KIGALI (Los pájaros cantan en Kigali)' de Joanna Kos-Krauze y Krzysztof Krauze (Polonia)
Intérpretes: Jowita Budnik, Eliane Umuhire.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Claudine Mugambira, de origen tutsi, es la hija de un célebre ornitólogo asesinado durante el genocidio de Ruanda en 1994. Tras su muerte, Anna Keller, una ornitóloga polaca compañera durante años del padre de Claudine en el estudio de los buitres en Ruanda, la ayuda a huir a Polonia. Anna, que ha presenciado la violencia en primera persona, está profundamente afectada por ella y, aun de vuelta en su país, es incapaz de sacársela de la cabeza. Las atrocidades que ha presenciado le impiden soportar el transcurso lento y pacífico de la existencia y la indiferencia de la gente respecto a lo acontecido en Ruanda. Siente la necesidad de cambiar por completo su vida y romper con ese doloroso pasado, pero no puede lograrlo con Claudine presente. Ambas protagonistas, sumidas en el sufrimiento, emprenden un intenso proceso psicológico de sanación y de restauración de sus vidas.

'Ptaki śpiewają w Kigali' era la única película de Sección Oficial que disponía de dos pases de prensa, enigma aún sin resolver (que llevó a algunos periodistas acreditados despistados a meterse en el segundo pase y tener que salir al comprobar que ya la habían visto). Tras su visionado cuesta aún más de entender, ya que probablemente fue la peor propuesta presentada en esta Seminci. El film está dirigido por el binomio formado por Joanna Kos-Krauze y Krzysztof Krauze, truncado inesperadamente por el fallecimiento de éste último durante el rodaje ésta película. El tándem tenía una estupenda tarjeta de presentación en el Festival, ya que fueron los autores de la recordada 'Papusza' (2013), aquel biopic sobre Bronislawa Wajs, la primera poeta gitana, que también estaba protagonizada como la que nos ocupa por Jowita Budnik. Sin embargo, en esta ocasión, la película se pierde en la inmensidad de su ambición y pretenciosidad, en la búsqueda del impacto visual fácil (por ejemplo, asistir a un diálogo de personajes con un primer plano de unos cuervos devorando un cadaver animal o un plano general de una puerta donde fuera de cuadro está el personaje central de la secuencia, etc), olvidándose de centrarse en el fondo de su historia, un terrible alegato contra las consecuencias psicológicas del genocidio real acontecido en Ruanda a principios de los 90. La película es confusa y errática, tan sólo remonta su interés en el tramo final, durante el regreso a Ruanda, pero ya es demasiado tarde para armar un discurso que atrape al espectador.

 

'POKOT (Spoor: el rastro)' de Agnieszka Holland (con la colaboración de Kasia Adamik) (Polonia / Alemania / República Checa / Suecia / Eslovaquia)
Intérpretes: Agnieszka Mandat-Grąbka, Wiktor Zborowski, Miroslav Krobot, Jakub Gierszał, Patricia Volny, Tomasz Kot, Borys Szyc, Andrzej Grabowski.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Duszejko, una ingeniera de caminos jubilada, vive solitaria en un pueblo de montaña cerca de la frontera entre Polonia y la República Checa. Es carismática y excéntrica, apasionada de la astrología y estricta vegetariana. Un día desaparecen sus adorados perros y, poco después, en una nevosa noche invernal, encuentra el cadáver de su vecino junto a huellas de ciervo. Otros hombres aparecen muertos en circunstancias igual de misteriosas, todos ellos jugaban importantes papeles en la comunidad y eran grandes aficionados a la caza. La investigación policial resulta ineficaz, pero Duszejko tiene su propia teoría: los autores de los asesinatos son los animales...

'Pokot' es un thriller ecológico interesante e imperfecto que mezcla un curioso retrato de personajes en un entorno rural característico con una intriga criminal como eje argumental central. La película está dirigida por la polaca Agnieszka Holland, autora de grandes filmes europeos a principios de la década de los 90 como 'Europa Europa' (1990) o 'Olivier, Olivier' (1992) y que, posteriormente, se ha movido en una irregularidad creativa donde hemos podido ver trabajos como 'Washington Square' (1997), 'El tercer milagro' (1999) o 'Copying Beethoven' (2006), por citar algunos ejemplos. Holland, es pues, una directora casi siempre solvente y en constante búsqueda de historias que transciendan la mediocridad del cine actual, no en vano colaboró con Krzysztof Kieslowski en la escritura de su mítica trilogía 'Tres colores' (1993). Aquí se nos anuncia que ha contado con la colaboración en la dirección de Kasia Adamik que es la hija de Holland y que ha elaborando el storyboard de diversos de sus trabajos, así que entendemos que aquí habrá dado un paso más en su colaboración respecto a la planificación escénica y el trabajo visual general del film. La película parte de una idea muy atractiva, los principales sospechosos de los asesinatos que se están cometiendo en un pequeño pueblo de montaña son los propios animales que habitan esas montañas y que parecen querer rebelarse contra la raza humana. Esa idea inicial nos sitúa en un acercamiento a la "venganza de la naturaleza contra el maltrato que sufre por parte del ser humano" que ya venía implícita, por ejemplo, en 'El Incidente' (M. Night Shyamalan, 2008) o más oculta en la reflexión que había tras el suspense de 'Los Pájaros' (Alfred Hitchcock, 1963). Una forma de utilizar a los animales como arma mortífera muy diferente a la que estamos acostumbrados y que ha plagado nuestras salas de tiburones, lobos y otras especies salvajes devorando personas para vertebrae algún entretenimiento palomitero de este subgénero del terror. Holland e hija, exploran de manera distante su atractiva premisa, cayendo finalmente en el convencionalismo argumental que traiciona el propio espíritu que hacia la propuesta original y diferente. Aún así, tanto la ambientación como la descripción de personajes resultan suficientes activos para mantener nuestra atención, con una anciana protagonista que a ratos parece una Miss Marple rural y en otros un personaje ideado por el surrealismo negro de los Hermanos Coen, la cual está interpretada con efectividad por Agnieszka Mandat-Grabka que obtuvo el Premio a la Mejor Actriz, exaequo, junto a Laetitia Dosch por 'Jeune Femme' en la Seminci 2017. Un film recomendable, pero que se queda a medio camino de lo que promete, eso sí, con algunos golpes de humor acertados.

 

'THE PARTY' de Sally Potter (Reino Unido)
Intérpretes: Patricia Clarkson, Bruno Ganz, Cherry Jones, Emily Mortimer, Cillian Murphy, Kristin Scott Thomas, Timothy Spall.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Esta comedia rellena de tragedia transcurre en la actualidad y en tiempo real en una casa de Londres. Janet es la anfitriona de una pequeña reunión de amigos para celebrar su nombramiento como portavoz de asuntos sanitarios del partido de la oposición. A su marido, Bill, sin embargo, se le nota preocupado. Llegan los amigos, algunos de los cuales viene con sus propias novedades impactantes, y la velada va avanzando. Bill realiza un anuncio al que siguen una serie de revelaciones que, rápidamente, derivarán en una confrontación generalizada. Las impresiones propias y de unos sobre otros van esfumándose, al igual que los canapés, y 'The Party' se convierte en una noche que comenzó con champán y termina con manchas de sangre.

'The Party' fue una de las película punteras de esta edición y una de las favoritas de la crítica, aunque como voz discordante puedo decir que a mi no me gustó nada. Escrita y dirigida por la británica Sally Potter, conocida por obras suyas como 'Orlando' (1992), y protagonizada por un inmejorable elenco de intérpretes con Patricia Clarkson, Timothy Spall, Bruno Ganz y Kristin Scott Thomas, a la cabeza, esta comedia teatralizada (todo sucede en el interior de una casa) no me interesa ni en su forma ni en su fondo. Todo resulta forzado e impostado desde la elección de fotografiarla en blanco y negro con la única justificación de que le gusta a su directora (según la rueda de prensa posterior) hasta unas situaciones llevadas al límite de la comedia que parecen extraídas más de un vodevil intelectualoide y pasado de moda, como excusa para proclamar frases con un tufillo de compromiso social grandilocuente y finalmente vacío, de esas que se dicen para que te aplaudan. El film desaprovecha la situación y un discurso político más punzante y eficazmente crítico, cayendo en lo más obvio e intranscendente de la comedia de enredo con un desenlace que ya conocemos porque se nos muestra en la primera escena. Por suerte, la película no engañó a los miembros del Jurado Oficial que no le concedieron ningún premio, tan sólo se alzó con la Espiga Arco Iris por su contenido LGTB, como decía una película "quedabien" que pretende ser incisiva y se convierte en banal.

 

'ME MZIS SKIVI VAR DEDAMICAZE (Soy un rayo de sol en la Tierra)' de Elene Naveriani (Suiza)
Intérpretes: Khatia Nozadze, Daniel Anthony Onwuka, Bianka Shigurova, Nino Giorgobiani, Mariam Chachia.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Apenas ha amanecido en Tiflis (Georgia) cuando April sale en libertad tras otra noche entre rejas por prostituirse. Sin embargo, para ella y sus compañeras es probable que nunca salga el sol. Habitan en un mundo dominado por hombres en el que las mujeres son un producto de usar y tirar, objetos con los que desahogarse. En la penumbra de un hotel de lujo, April conoce a Dije, un joven inmigrante nigeriano, un marginado entre los marginados. Llegó allí pensando que iba a la Georgia de Estados Unidos; otro sueño frustrado. En este lugar en los confines del mundo, donde la única salida es sobrevivir a cada día, estas dos almas se ven mutuamente reflejadas en sus solitarios periplos.

'Me Mzis Skivi Var Dedamicaze' fue una de las obras más incomprendidas de esta edición, un drama georgiano que aborda en tan solo 61 minutos el drama de la inmigración desde una óptica bastante manida, utilizando como protagonistas a una prostituta y un nigeriano perdido, dos almas encadenadas a su soledad que se encuentran en mitad de ese entorno hostil que los ningunea. Rodada en un estupendo blanco y negro (la fotografía de Ágnes Pákózdi se llevó el Premio del Jurado) que corrobora ese mundo gris y descolorido donde habitan los personajes, la película no sabe desarrollar con energía una historia que nos atrape, más bien para la fotografía de una situación o un relato para un cortometraje. Entre silencios y escenas huecas, la relación que surge entre los dos protagonistas (Khatia Nozadze y Daniel Anthony Onwuka) es descafeinada y poco emocionante, el rayo de sol del título se apaga rápido. Esta ópera prima de Elene Naveriani se centra más en la forma que en darle contenido, una pena porque hay imágenes tan potentes como desesperanzadoras como la escena que cierra el film bajo las notas de una canción de Dinah Washington.

 

'HUMAN FLOW (Marea Humana)' de Ai Weiwei (Alemania / Estados Unidos)
Intérpretes: Boris Cheshirkov, Marin Din Kajdomcaj, princesa Dana Firas de Jordania, Abeer Khalid, Rania Khaleel Awad Al-Mutamid, Rafik Ismail, Rami Abu Sondos, Haneen Khalid.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Más de 65 millones de personas en todo el mundo se han visto obligadas a abandonar sus hogares para escapar del hambre, el cambio climático y la guerra en el mayor desplazamiento humano desde la Segunda Guerra Mundial. 'Human Flow' pone de manifiesto las escalofriantes dimensiones de la crisis de los refugiados y su profundo impacto humano a nivel personal. Rodada en 23 países a lo largo de un año de calamidades, la película muestra una cadena de situaciones humanas de urgencia que se extiende por todo el mundo e incluye a países como Afganistán, Bangladés, Francia, Grecia, Alemania, Irak, Israel, Italia, Kenia, México y Turquía. 'Human Flow' es testigo de los padecimientos de estas personas y de su búsqueda desesperada de seguridad, refugio y justicia. Desde los campos de refugiados abarrotados hasta las peligrosas travesías oceánicas y las fronteras con concertinas; desde el desarraigo y la desilusión hasta la valentía, el aguante y la adaptación; desde el atractivo encantador de las vidas que dejan atrás hasta un futuro de potencial desconocido. La película llega en un momento crucial, cuando se necesita más tolerancia, compasión y confianza que nunca.

'Human Flow' es un documental del activista y comprometido director chino Ai Weiwei que nos acerca a la triste realidad de la inmigración que ha aflorado con intensidad en los últimos años, donde gente que huye de sus países en guerra o de la pobreza hacia Europa como si se tratara de la Tierra Prometida, donde solo encuentran campos de refugiados donde son hacinados y almacenados sin que ningún país se quiera hacer cargo realmente de ellos. Son personas que huyen de un pasado y que no encuentran un futuro en ese éxodo donde los derechos humanos se dirimen en despachos y cumbres geopolíticas. El director plasma una dura realidad, sin cargar las tintas en los hechos más escabrosos y dolorosos, pero su denuncia resulta algo obvia y poco cinematográfica, más allá de algunos planos aéreos realizados con drones (como si fuera la vista que tendría de nosotros el Dios en que cada uno crea) y algunos momentos de metaficción donde los realizadores del documental se mezclan en pantalla con la gente real que aparece en el mismo. Duración de 140 minutos que resulta excesiva para lo poco desarrollado que finalmente está un discurso bienintencionado, pero menos punzante de lo necesario. El documental, rara avis en una Sección Oficial festivalera, recibió una Mención Especial del Jurado.

 

'FREIHEIT (Libertad)' de Jan Speckenbach (Alemania / Eslovaquia)
Intérpretes: Johanna Wokalek, Hans-Jochen Wagner, Inga Birkenfeld, Andrea Szabová, Ondrej Koval', Ricky Watson, Georg Arms, Emil von Schönfels.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Una mujer abandona a su marido y a sus dos hijos sin ofrecer explicación alguna. La mueve una fuerza irresistible. Anhela ser libre. Nora, de cuarenta años, deambula por un museo de Viena, mantiene relaciones sexuales con un joven y hace autoestop para, aleatoriamente, viajar a Bratislava. Oculta su identidad con pequeñas mentiras. Modifica su apariencia, encuentra trabajo de camarera de hotel y se hace amiga de una joven estríper eslovaca, Etela, y de su marido cocinero, Tamás. Entretanto, en Berlín, Philip, de unos cuarenta y cinco años, procura gestionar su familia, el trabajo y su romance con Monika. En contra de sus convicciones, se ve obligado a defender ante la justicia a un adolescente racista que, de una paliza, ha dejado a un africano en coma. Lidia con dificultad con su papel de progenitor único y no puede comprometerse con Monika, pues su vida ha perdido el sentido desde la desaparición de Nora. La única persona con quien de verdad se sincera es el hombre en coma. Los anhelos de libertad de Nora son los grilletes de Philip.

'Freiheit' es un drama sobre la liberación de la mujer, a través de un personaje antipático que decide abandonar sin motivos aparentes a su marido e hijo. La premisa me parece interesante, descubrir las motivaciones de esa mujer para desaparecer de su vida acomodada, renunciar a su identidad y explorar con mayor profundidad su propia psicología y sexualidad. Pero la película no logra que empaticemos con el personaje central, aún menos con su familia abandonada en una trama paralela de menos interés, pero es que además la trama avanza con cuentagotas, perdiéndose en los devaneos de su protagonista hasta un desenlace totalmente decepcionante. Jan Speckenbach realiza un buen trabajo de cámara y Johanna Wokalek está estupenda en su papel, el problema está en la floja e insuficiente historia de realización personal sobre una mujer en crisis, que el propio director ha creado junto a Andreas Deinert.

 

'COMO NOSSOS PAIS (Como nuestros padres)' de Laís Bodanzky (Brasil)
Intérpretes: Maria Ribeiro, Clarisse Abujamra, Paulo Vilhena, Felipe Rocha, Jorge Mautner, Herson Capri, Sophia Valverde, Annalara Prates.

(Sección Oficial)

Sinopsis: El único deseo de Rosa es la perfección: en el trabajo, como madre, como hija, como esposa, como amante...Cuanto más lo intenta, más impresión tiene de que todo le sale mal. Es hija de unos eminentes intelectuales y madre de dos chicas preadolescentes, por lo que se ve presa de las exigencias de dos generaciones distintas: ha de ser comprometida, moderna, eficaz, infalible... Una 'superwoman'. Hasta que un día su madre le revela un crucial secreto que hará que Rosa comience a redescubrir su propia y auténtica personalidad.

'Como Nossos Pais' es una comedia dramática sobre la liberación de la mujer en la sociedad actual, a través de una protagonista que deberá enfrentarse a una serie de cambios inesperados en distintos ámbitos de su vida. La película se inicia bien, con un humor acertado y un golpe de efecto para dar impulso a la historia más allá del drama familiar. Sin embargo, la película plantea diversas subtramas que se abandonan o simplemente se desaprovechan, prefiriendo centrarse en un relato superficial y reiterativo que se acerca en algunos momentos peligrosamente a cualquier culebrón televisvo de sobremesa, sin profundizar lo necesario en los temas que plantea, perdiendo la gracia de su planteamiento por el camino. Con María Ribeiro como estupenda protagonista del film (era una de las favoritas al premio), el espectador soporta su visionado sin estridencias, pero también sin entusiasmo. La Sección Oficial le venía grande y su selección supongo que fue debida a la implicación de esta edición de Seminci con la reivindicación del mundo femenino y las distintas visiones de directoras que nos han ofrecido su situación en un mundo aún con mucho por avanzar en temas como la igualdad.

 

'CARPINTEROS' de José María Cabral (República Dominicana)
Intérpretes: Ramón Emilio Candelario, Jean Jean, Mario Nunez, Judith Rodriguez Perez.

(Sección Oficial)

Sinopsis: Julián encuentra el amor y una razón para vivir en el último lugar que imaginaba: la cárcel de Najayo. Su romance con la interna Yanelly debe desarrollarse por un lenguaje de señas creado por los internos de cada centro: el 'carpinteo', que va desde una ventana de Najayo Hombres al patio de Najayo Mujeres. Julián debe mantener la relación oculta ante docenas de guardias y ante Manaury, un hombre muy peligroso que también 'carpintea' con Yanelly.

'Carpinteros' es un entretenido drama carcelario, muy bien ambientado que recrea con bastante realismo la vida en el interior de las cárceles dominicanas y el peculiar sistema de lenguaje de signos que utilizan para comunicarse en la distancia entre las cárceles de hombres y las de mujeres. El problema surge con la introducción de un triángulo sentimental "a lo Titanic" bastante improbable y estereotipado que nos conduce a un tercer acto forzado y que roza el ridículo con situaciones tan inverosímiles como innecesarias (el encuentro sexual con música e iluminación telefilmera, la planificación de la actuación-concierto...). Pero si obviamos ese fallido desenlace, la película es bastante resultona. La presentación de personajes, sin eludir algunos tópicos, es correcta al igual que la actuación de sus intérpretes, sin embargo, no se desarrollan suficientemente esos personajes como para lograr atraparnos en una trama que se vuelve demasiado convencional. 'Caspinteros' es el film pre-seleccionado por su país para representarlo en los Oscars.

 

TIEMPO DE HISTORIA

'78/52' de Alexandre O. Philippe (Estados Unidos)
Intérpretes: Alan Barnette, Justin Benson, Peter Bogdanovich, Marco Calavita, Tere Carrubba, Pepijn Caudron, Jamie Lee Curtis, Guillermo del Toro.

(Sección Tiempo de Historia - Fuera de Concurso)

Sinopsis: Hitchcock empleó 78 ángulos de cámara y 52 tomas para crear una de las escenas más emblemáticas de la historia del cine. Una semana de las cuatro que duró el rodaje de 'Psicosis' la dedicó a la inmortal secuencia de la ducha. Mediante una dirección y montaje propios de un virtuoso, y una excepcional banda sonora de Bernard Herrmann, Hitchcock dio forma a dos minutos que engendraron un tipo nuevo de terror y redefinieron la manera de hacer y disfrutar las películas. Casi seis décadas después, este documental repasa aquella escena, toma por toma, y entrevista a cinéfilos y afamados cineastas.

'78/52' es un maravilloso ejercicio cinéfilo, una clase magistral de cine que cualquier estudiante o aspirante a cineasta debería ver. Con un tratamiento ágil y didáctico, Alexandre O. Philippe nos acerca a una escena de 2 minutos que marcó un antes y un después en el cine, y logra que no nos aburramos durante los 91 minutos de su disertación. Con la ayuda de algunas entrevistas a cineastas actuales y personajes claves en la elaboración de la famosa secuencia de la ducha (como la doble de cuerpo de Janet Leigh), disecciona tanto la técnica de la planificación y del rodaje de dicha secuencia como la repercusión mediática y la influencia que tuvo en el cine posterior. Fotograma a fotograma, iremos descubriendo detalles que enriquecerán nuestro recuerdo de 'Psicosis', por muchas veces que hayamos visto antes la película, y aumentán nuestra admiración en uno de los directores más importantes de la Historia del Cine como es Alfred Hitchcock. El documental utiliza un tono coloquial y ameno, no por ello menos pedagógico, teorizando en algunos momentos y aseverando de forma contrastada en otros, en esta apasionante y apasionada masterclass sobre la semiótica del cine, pero también sobre la magia que le acompaña y perdura en el tiempo.

 

PUNTO DE ENCUENTRO

'ANGELS WEAR WHITE (Los ángeles visten de blanco)' de Vivian Qu (China / Reino Unido)
Intérpretes: Vicky Chen, Wen Qi, Zhou Meijun, Shi Ke, Geng Le, Liu Weiwei, Peng Jing, Wang Yuexin, Li Mengnan.

(Sección Punto de Encuentro)

Sinopsis: En una pequeña localidad costera, dos niñas preadolescentes son agredidas sexualmente en un motel por un hombre de mediana edad. Mia, que esa noche es la recepcionista, es la única testigo, pero por miedo a perder el trabajo lo mantiene en secreto. Mientras, Wen, una de las víctimas, se da cuenta que sus problemas tan solo acaban de empezar. Atrapadas en un mundo que no les brinda seguridad ninguna, Mia y Wen tendrán que encontrar por sí mismas la manera de salir adelante.

'Angels wear white' es un interesantísimo film chino que bien podría haber estado en la Sección Oficial, ya que tanto por el contenido como por la forma, resulta muy superior a muchos de las propuestas que vimos allí. 'Angels wear white" tiene varias capas de lectura, explorando temas como la culpabilización de víctima, las cloacas de la corrupción del poder y la precaria situación de la mujer china en su país. Es en este último tema donde la guionista y directora Vivian Qu centra el relato de su segunda película, desde la óptica de dos niñas (espléndidas ambas pequeñas actrices): la víctima de una violación a la que nadie comprende y la único testigo de lo sucedido que es una inmigrante ilegal que debe ocultar lo que sabe. A partir de ahí, obviando los detalles más escabrosos con elegancia, Qu nos muestra un completo y cruel retrato de su país, efectuado con delicadeza y mucha poética visual, donde esas niñas serán la esperanza de la rebelión hacia la liberación definitiva de la mujer china en una sociedad que aún arrastra demasiados complejos machistas de su pasado tradicional. Como metáfora central, el principio y el final, nos mostrará una estatua de Marilyn Monroe, como parte de ese sueño americano arraigado a los ciudadanos de cualquier país, clásico ejemplo que sirve tanto para escapar de la realidad como para anhelar un futuro que ahora parece confuso, pero también como símbolo inequívoco de la liberación sexual de la mujer, sin la dependencia ni el dominio de los hombres en su desarrollo. La película se cierra con un hermoso plano de una de las protagonistas, vestida de blanco como Marilyn, subida en una moto persiguiendo su figura mancillada por el gamberrismo callejero. No es la única imagen icónica que contiene el film, ni la única reflexión que se puede extraer del mismo. También hay un apartado para la crítica social, donde se muestra la manipulación de la opinión pública y de los poderes fácticos, así como el papel secundario al que es sometida cualquier mujer en su sociedad.

 

'ARPÓN' de Tom Espinoza (Argentina / Venezuela)
Intérpretes: Germán de Silva, Ana Celentano, Nina Suárez Bléfari, Laura López Moyano, Marcelo Melingo, Francisco Lumerman, Luciana Grasso, Mario Mahler.

(Sección Punto de Encuentro)

Sinopsis: El Sr. Arguello es el director de una escuela. Día a día revisa las mochilas de todos sus alumnos en busca de una latente amenaza. Cata, una alumna de catorce años, sufre un accidente en el lago. Arguello tiene que cuidarla durante las próximas horas mientras ubican a sus padres. Durante la espera se desatará la historia más importante de sus vidas.

'Arpón' es un thriller dramático desconcertante y errático que, sin embargo, durante algunas fases de su narración logra atraparnos con un estupendo uso del suspense y la escalada de tensión. La ópera prima de Tom Espinoza se inicia bien, con un personaje enigmático como es el estricto director de la escuela y con un enigma para resolver en su obsesiva necesidad de revisar las mochilas de sus estudiantes. A partir de ahí distintas secuencias se suceden que mantienen nuestro interés, aunque para entonces ya andemos algo perdidos. Pero es en el tramo final cuando la película se descontrola y logra despistarnos por completo, ocultando las claves necesarias para que como espectador entendamos algunas de las reacciones y situaciones que suceden ante nuestros ojos (al menos fue esa mi sensación). La película funciona en su tratamiento del cine de género, pero se pierde en el drama que contiene.

 

CORTOMETRAJE

'NEGAH (La mirada)' de Farnoosh Samadi (Italia / Irán)
Intérpretes: Marzieh Vafamehr, Amirreza Ranjbaran, Pedram Ansari, Safoura Kazempour, Gholamreza Rahimi, Mehrdad Mohammadi, Kiana Asadi, Mehran Elhamifar.

(Sección Punto de Encuentro)

Sinopsis: Mientras vuelve del trabajo, una mujer presencia algo en el autobús. Debe decidir si lo revela o no.

De todos los cortos que pudimos ver durante el Festival, 'Negah' fue, sin duda, el mejor para nosotros y también para el jurado que le otorgó la Espiga de Oro (curiosamente la misma directora ya recibió la espiga el año pasado con otro trabajo co-dirigido llamado 'El Silencio'). 'Negah' es un ejercicio de suspense perfecto, sin eludir el compromiso social como tema de fondo. Son 14 minutos donde Farnoosh Samadi nos muestra una sencilla historia que primero plantea un dilema moral al espectador y la pregunta de ¿qué haríamos si asistimos a un delito? ¿intervendríamos de forma activa denunciándolo o nos mostraríamos pasivos atenazados por el miedo a las represalias? Después de esa estupenda secuencia en el interior de un autobús, pasamos al exterior, donde sin hacer alardes innecesarios, el corto logra unos niveles de intensidad y tensión dramática que ya quisieran muchas películas de cine de género. Seguimos a la mujer protagonista (magnífica Marzieh Vafamehr) por unas calles nocturnas que la llevan hacia su casa, una lección simple de como generar suspense con los mínimos elementos posibles. Un trayecto que se nos hace asfixiante y que desemboca en un plano final tan realista como aterrador, en un falso "happy end".

 

Enviado Especial UC (Daniel Farriol).