UC Festivales - 59 Festival de Cine de San Sebastián
PALMARÉS
Concha de Oro a la Mejor Película: Los pasos dobles, de Isaki Lacuesta (España).
Premio especial del jurado: Le Skylab, de Julie Delpy (Francia).
Concha de Plata a la mejor actriz: María León, por La voz dormida (España).
Concha de Plata al mejor actor: Antonis Kafetzopoulos, por Mundo injusto (Adikos Kosmos) - (Grecia).
Mejor director: Filippos Tsitos, por Mundo injusto (Adikos Kosmos) - (Grecia).
Mejor guion: Hirokazu Kore-eda por Kiseki (Milagro) - (Japón).
Mejor fotografía: Ulf Brantàs, por Happy end (Suecia).
Secciones Paralelas.
Premio Kutxa-Nuevos Directores: The River Used to be A Man de Jan Zabeil (Alemania).
Menciones especiales: A Beautiful Valley de Hadar Friedlich (Israel-Francia) y Still Life de Sebastian Meise (Austria).
Premio Horizontes: Las Acacias de Pablo Giorgelli (Argentina).
Menciones especiales: Miss Bala de Gerardo Naranjo (México) e Historias que só existem quando lembradas de Julia Murat (Brasil).
Premio TCM del Público: The Artist de Michel Hazanavicius (Francia).
Premio del público a la mejor película europea: Where do We Go Now? de Nadine Labaki (Francia-Líbano).
Premio de la Juventud: Wild Bill de Dexter Fletcher (Reino Unido).
Premio TVE-Otra Mirada: Nader and Simin. A Separation de Asghar Farhadi (Irán). Mención especial: Sangre de mi Sangre de João Canijo (Portugal).
Premio Cine en Movimiento: The Last Friday de Yahya Alabdallah (Jordania). Mención especial: Confession and Struggle de Eliane Raheb (Líbano).
Premios X Encuentro Internacional de Estudiantes de Cine:
· Premio Panavisión: Eva-Shem Zmani de Dor Fadlon (Universidad de Tel Aviv, Israel).
· Participación en el Short Film Corner del Festival de Cannes: Eva-Shem Zmani de Dor Fadlon (Universidad de Tel Aviv, Israel), Dylan de Ania Winiarska (National Film and Television School, Reino Unido) y Guañape Sur de János Richter (Zelig, Italia).
Premios Cine en Construcción 20:
· Premio Cine en Construcción de la Industria: 7 Cajas de Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori (Paraguay).
· Premio Casa de América: Infancia Clandestina de Benjamín Ávila (Argentina-España-Brasil).
Premio FIPRESCI: Sangre de mi Sangre de João Canijo (Portugal).
"Martha Mary May Marlene" es un drama intimista con todo lo que eso conlleva, bueno y malo. Trata de una joven que regresa a casa después de pasar una temporada dentro de una secta, aunque sus recuerdos se entremezclan con la realidad presente sin que consiga adapatarse a su vida normal. Ese supone, sin duda, un interesante planteamiento argumental, con el punto justo de intriga y drama, y su puesta en escena resulta original y a veces rompedora (planos de difícil encuadre que incomodan la visión del espectador, etc), lástima que su desarrollo parece estancarse a mitad del segundo acto, perdiendo fuerza su propuesta y conduciéndonos a un final abierto o confuso (según se mire) que nos priva de un clímax más contundente. Es de destacar, también, la interpretación de la actriz protagonista, Elisabeth Olsen, así como del resto del reparto.
"Scars" de Lim Woo-Seong (Corea del Sur)
"Scars" es un plomizo drama chino con una historia mínima que deja bastante indiferente de principio a fin. En realidad, tiene pocos puntos de interés más allá de la esforzada interpretación de su protagonista femenina, Pak So-yeon, algunos planos de interés o el elemento extraño de los sueños donde aparece la cara de Buda que se forma en el barro y que ofrece una especie de espejo del estado anímico de la protagonista (aunque este elemento se queda en un breve apunte que luego no se aprovecha).
"Shame" de Steve McQueen (Reino Unido)
"Shame" es un asfixiante y seco drama no apto para todos los públicos, pero de alto nivel cinematográfico. Pasiones extremas entre dos personas al borde del abismo emocional que lo afrontan de maneras distintas, una desde la auto-destrucción y el otro desde la bulimia sexual. Pese a las escenas de sexo explícito y la adicción del protagonista por la carne, no resulta una película morbosa y quedan justificadas las imágenes mostradas, las cuales se filman desde exquisita brillantez en la puesta en escena, bien fotografiadas y con un actor protagonista, Michael Fassbender, de lo más convincente.
"The Deep Blue Sea" de Terence Davies (Reino Unido)
"The Deep Blue Sea" es una maravilla visual y sonora que peca de falta de ritmo en su parte final. Clasicismo estético para una historia conocida, pero no por ello menos absorbente. Rachel Weisz borda su complejo papel de mujer entre dos aguas, las apacibles de una relación formal y estable o las turbulentas de una relación efímera con otra alma vagabunda. Terence Davies lo filma todo con su sempiterna recreación pictórica de sus pequeños universos y nos afixia emocionalmente con el desarrollo de su historia y los vaivenes emocionales de su protagonista. Tuvo una acogida dispar, para mi lo mejor que pudo verse dentro de la Sección Oficial.
"Los Pasos Dobles" de Isaki Lacuesta (España-Suiza)
"Los Pasos Dobles" es una imposible combinación de película de aventuras con el ritmo del cine documental de la que me he quedado completamente fuera de juego desde el inicio. Es un film a complementar por el documental "El cuaderno de barro" que narra la historia que supuso el punto de partida para este film de ficción donde los géneros y personajes se confunden y nos confunden. A priori el argumento resulta atractivo por su exotismo, pero enseguida descubriremos que cualquier atisvo de ritmo, intriga, aventura y emociones quedan muy lejos de nosotros. Sorprendentemente se alzó con la Concha de Oro a la Mejor Película, premio acogido con multitud de silbidos por parte de la crítica. Tal vez sea una película incomprendida y que el tiempo coloque en su sitio, el cine de Lacuesta nunca ha sido fácil ni comercial.
"Amén" de Kim Ki-Duk (Corea)
"Amén" fue la película polémica del festival. Cine de ficción experimental con una puesta en escena arrolladora en su inicio, aunque luego el invento falla y se pierde en sus desvaríos argumentales. Para hacerse una idea clara de ante que película nos encontramos, comentar que no existe (o casi) edición de sonido, es decir, que el audio del film se nos presenta en bruto, sin ecualizar si quiera, de modo que a cada corte de plano se escuchan las subidas y bajadas del sonido ambiente, etc. El sonido se convierte a menudo en ruido (algo que parece buscado para aislar el deambular de su personaje principal del mundo que la rodea). Como experimento resulta atractivo, pero el argumento a medida que avanza se vuelve más absurdo e incluso se proponen símiles bíblicos para el embarazo de la protagonista. El plano final parece un desafío en toda regla del director a los críticos que vean su película.
"Take This Waltz" de Sarah Polley (Canadá)
"Take This Waltz" es un drama indie romántico estirado como un chicle que se salva por la presencia de Michelle Williams. Es una película donde se subraya todo en exceso y le sobran 15-20 minutos de metraje para funcionar adecuadamente. La historia del triángulo amoroso se ha tratado desde miles de puntos de vista, en esta ocasión lo que más me llama la atención es que ninguno de los tres personajes principales resulta excesivamente simpático para el espectador y sus estúpidos juegos de enamorados y reacciones, nos alejan de lo que vemos, lo cual no quita que esté bien filmado e interpretado y que se puedan extraer ideas visuales y dramáticas interesantes de la película. El título está sacado de una hermosa canción de Leonard Cohen que suena al final para dar sentido a su significado en el film, que son las vueltas de vals que dan las personas para relacionarse y como en cada giro parecemos estar en la misma posición del principio, siendo nosotros los que hemos cambiado.
"Kiseki - I Wish" de Hirokazu Kore-eda (Japón)
"Kiseki - I Wish" es un film amable y simpático, pero demasiado naïf para alguien capaz de filmar una Obra Maestra como "Still Walking", tal vez por eso quedé un pelín decepcionado. Los protagonistas son unos niños que de forma ingenua creen que sus sueños se pueden cumplir si contemplan a dos tren bala cruzarse. A través de esa pequeña historia, Kore-eda nos irá descubriendo la cultura japonesa, su gastronomía, su forma de pensar, la evolución del país y las nuevas familias desestructuradas, pero todo ello desde un plano menos profundo que en otras ocasiones. Sin embargo, el film está perfectamente contado y nos mantndrá atentos a su bonita historia pese a tener algunos momentos poco creíbles que lo convierten casi en un cuento.
"Extraterrestre" de Nacho Vigalondo (España)
"Extraterrestre" no es una película de ciencia-ficción, en contra de lo que podría parecer en un principio, mejor podría englobarse en ese manido sub-género de la comedia romántica. Ese matiz lo considero de suma importancia, porque lo que parecía a priori parecía una divertida parodia de platillos volantes e invasiones alienígenas acaba convirtiéndose en una sosa historia romántica con vecino pesado. El film, sin embargo, tiene un arranque prometedor y la primera aparición de Carlos Areces es desternillante, pero luego la cosa no cuaja y asistimos a la obra de un Vigalondo menos gamberro y original de lo esperado, el cual parece estar demasiado domesticado en busca del gran público.
"Life Without Principle" de Johnny To (China-Hong Kong)
"Life Without Principle" es una película menos violenta de lo esperado viniendo firmada por To y podría enmarcarse dentro del más puro cine negro clásico. La presentación de personajes es algo ardua en un principio, pero poco a poco va mejorando el ritmo del film y a medida que avanza nos va enganchando hasta una emocionante resolución donde todas las piezas encajan. Bien filmada e hilvanada argumentalmente, propone una mezcla de entretenimiento y crítica social, con un interesante tratamiento de los puntos de vista.
"Abrir Puerta y Ventanas" de Milagros Mumenthaler (Argentina-Suiza)
"Abrir Puertas y Ventanas" es una película intimista y sencilla con una primera hora magnífica que casi se echa a perder al estancanse al final del segundo acto. Por suerte, eso no sucede, y el film deja un agradable sabor de boca, a través de la historia de tres hermanas que afrontan de manera muy distinta el duelo por la pérdida de su abuela con la que crecieron. Una historia de miradas, silencios y palabras nunca dichas, de ventanas que abrir para descubrir verdades y de puertas que cerrar para superar mentiras. Tres actrices jóvenes estupendas y una dirección dedicada a los pequeños detalles para contar una buena historia de personajes y tejer una de las películas más bellas e interesantes vistas en el Festival.
"La Voz Dormida" de Benito Zambrano (España)
"La Voz Dormida" es una nueva incursión de nuestro cine en el episodio histórico de la Guerra Civil española. Esta vez basada en una conocida novela y en manos de un director irregular que aquí se vuelve complaciente con el público y que tal vez lo busca desesperadamente a través de la cautivadora mirada de una María León en estado de gracia y su ingenuo personaje que despierta a la realidad de forma cruel. El resultado es bastante más convincente de lo esperado, aunque León se come al resto del reparto y a la propia película. El problema es que es una película que ya hemos visto antes muchas veces.
"11 Flowers" de Wang Xiaoshuai (China)
"11 Flowers" es una película china que adolece de un inicio dilatado en exceso, ya que tarde más de 20 minutos en plantear el hecho que impulsa la historia. A partir de ahí, la película remonta a un buen nivel, a través de una correcta factura técnica y una narrativa distendida, donde asistiremos a los cambios políticos y culturales en la cultura china desde la perspectiva de unos niños, lo que difumina bastante todas sus reflexiones. Podría tratarse de una traspolación de "Los Goonies" o otra aventura similar protagonizada por niños, pero al ritmo del cine oriental.
"Tiranosaurio" de Paddy Considine (Reino Unido)
"Tiranosaurio" es un film correcto que tiene para mi una excesiva fascinación por la recreación del drama más tremebundo y se regocija en exceso en él. Eso sí, tiene muy buenos actores, una narrativa precisa y una historia de amor descarnada, pero no consigue cautivarme por esa acumulación de excesos dramáticos que me distancian al sentir que en momentos buscan de manera efectista la reacción del espectador. También me molesta que haya dos personajes principales perfectamente definidos y, en cambio, todos los secundarios sean tan pobres y meros ecos de los protagonistas (todos los maridos/novios son borrachos, maltratadores, cabronazos.... todas las mujeres/novias son sumisas, sufridoras, amargadas...). Con menos ambición artística y más ganas de ser realista los resultados podían haber sido espléndidos. Por cierto, la explicación del título es de lo más ridícula....
"The Days After" de Hirakazu Kore-eda (Japón)
"The Days After" es una preciosa reflexión sobre la aceptación de la ausencia, filmada visualmente de forma exquisita. La película es en realidad un episodio de una serie fantástica, pero en manos de Kore-eda, la dimensión fantástica queda en un segundo plano y sólo sirve para subrayar la parte poética de esa historia de unos padres que viven con la necesidad de recuperar a su hijo muerto. Todo se cuenta de forma delicada y con enorme sensibilidad, en una de las mejores obras vistas durante el Festival.
"Rampart" de Oren Moverman (EEUU)
"Rampart" (recibida con algunos pitos por parte de la prensa), es un policiaco lleno de tópicos con un estupendo Woody Harrelson haciendo el papel que mejor se le da. No parece que sea una película seleccionable en una Sección Oficial de un Festival A, aunque a veces se agradece ver películas bien filmadas sin demasiadas ínfulas artísticas y con un ritmo menos contemplativo. La puesta en escena es algo abrupta y trepidante, no se conforma con imitar la estética de telefilm y además de Harrelson destaca la presencia de grandes actores (desaprovechados) en pequeños papeles y una recuperada Robin Wright en un ambiguo papel.
"A Beautiful Valley" de Hadar Friedlich (Israel-Francia)
"A Beautiful Valley" es una soporífera reflexión sobre la vejez y el paso del tiempo, que no cuenta más allá de lo expresado en su punto de partida. Si a eso le añadimos la interpretación de su protagonista que no mueve un sólo músculo de su cara, podemos asegurar que nos encontramos con uno de los films más aburridos vistos en el Festival (pese a la Mención del Jurado de Nuevos Realizadores), como atesoran los ronquidos de algunos de los pocos espectadores que asistieron al pase de prensa y aguantaron hasta el final.
"Verbo" de Eduardo Chapero-Jackson (España)
"Verbo" es la gran decepción del Festival. La película es visualmente atractiva, pero completamente absurda, psicotrónica y machacona en su mensaje de manual de auto-ayuda que parece extraído de un discurso cienciológico. Chapero-Jackson nuestro cortometrajista con más proyección y creador de joyas como "The End" o "Contracuerpo", aquí parece perdido y engullido en su propio artificio, una historia enfocada hacia el público adolescente (pero sólo a una pequeña parte de ellos) que pronto se convierte en videojuego y con ideas tan poco acertadas como esos personajes que hablan en verso como si estuvieran rapeando y que sólo logran con sus rimas la risa en algunos espectadores. Todo cabe (y todo sobra) en la película, hay hasta un escena de animación, desembocando en un final pretencioso donde se buscan paralelismos con el Don Quijote de Cervantes.... Confiemos en que el batacazo de ésta no impida a su director deleitarnos con una segunda película acorde a su talento.
"Madrid, 1987" de David Trueba (España)
"Madrid, 1987" tiene un inicio magnífico y unos diálogos (monólogos) estupendos, pero su fórmula se agota hacia la mitad del film y parece más destinada a un mediometraje que a un largo, aunque consigue aguantar el tipo bastante bien. Con un presupuesto reducido y dos personajes desnudos encerrados en un espacio mínimo, Trueba sabe explicarnos todo lo que quiere a través de la verborrea incansable del personaje de José Sacristán que se confronta con la curiosidad de la bella mirada de María Valverde, para hablarnos del enfrentamiento de dos generaciones, dos épocas, dos formas distintas de mirar el mundo. Una película interesante por alejarse de los cánones establecidos por la industria, de hecho se rodó sin subvenciones de ningún tipo.
"Le Havre" de Aki Kaurismäki (Finlandia-Francia-Alemania)
"Le Havre" es una visión apacible y empática sobre la inmigración, que entretiene sin más, a través de la historia de unos personajes cercanos y creíbles, que se ayudan mutuamente para salir adelante, siempre con una mirada humorística por parte de su director aunque trate temas dramáticos.
"Puzzled Love" de Pau Balagué, Carlos Pérez-Reche, Gemma Ferraté, Josecho de Linares, Alejandro Javaloyas, Bruno Sarabia, Javier Sanz, Alba Giralt, Eduard Riu, Miriam Cañamares, Irene C. Rodríguez, Gaby Amione, Marc Juvé (España)
"Puzzled Love" posee un planteamiento inteligente y original que como todo film episódico resulta irregular e inconstante. Trece episodios independientes de una misma historia, la relación entre dos estudiantes de Erasmus que pasan del odio al amor y luego a la temida separación cuando tienen que volver a sus casas. La película nació en el taller de dirección de la escuela ESCAC y tiene en su argumento todos los elementos de la típica comedia romántica, aunque en ocasiones se hecha en falta un mayor trabajo de guión. Lo interesante es que cada episodio de la relación está filmado por un director distinto con plena libertad expresiva lo que produce que se mezclen falso documental, comedia sit-com, drama, video-clip, experimental, web-cam, musical, etc, lástima que esté enfocada a un público casi adolescente como demuestran sus grafismos y elecciones musicales.
"Las Razones del Corazón" de Arturo Ripstein (México-España)
"Las Razones del Corazón" es un melodrama extremo y para mi pasado de vueltas (aunque parece haber gustado), filmado de forma casi teatral y en un siempre bonito blanco y negro. Inspirada libremente en Madame Bovary, es un film bien realizado que abusa del diálogo y del metraje y que nos propone a una protagonista desquiciada interpretada de forma convinvente por Aracelia Ramírez (que se vuelve insoportable por culpa de su personaje) que vive aislada en su mundo de pasiones no correspondidas. Los amantes del melodrama más folletinesco o bizarro (basta con ver a la mujer lamiendo las sábanas del que fuera su amante en su ausencia....) tal vez logren apasionarse con la propuesta, a mi me mantuvo a cierta distancia.
"El Monje" de Dominik Moll (Francia-España)
"El Monje" es un entretenimiento fácilmente olvidable, donde se mezcla el thriller sobrenatural con el drama romántico, en una intriga eclesiástica-demoníaca donde sólo destaca el buen hacer de Vincent Cassel y un gran reparto secundándolo, pero que no logran que la visión del film sea siempre superficial y nuestro interés por la trama circunstancial.
"The Artist" de Michel Hazanavicius (Francia)
"The Artist" es un film maravilloso e imprescindible para cualquier cinéfilo que se precie. Es un precioso y preciso homenaje al mundo del cine. Un film mudo con ritmo contemporáneo sobre el cine mudo y su evolución al sonoro (con parte de la trama tomada prestada de "Cantando Bajo la Lluvia"), que divierte, emociona y convence a partes iguales. Una gozada de principio a fin con unos actores estupendos que consiguió provocarme la sensación que debe tener un niño la primera vez que va al cine, hacerme disfrutar con su cinefilia y hasta ponerme los pelos de punta cuando en la banda sonora se escuchan los acordes de Bernard Herrmann para "Vértigo (de entre los muertos)" del maestro Hitchcock. Simplemente perfecto. Para mi, sin lugar a dudas, lo mejor del Festival.
"Intouchables" de Eric Toledano y Olivier Nakache (Francia)
"Intouchables" es una comedia inteligente, bien escrita e interpretada, que sabe como atrapar al espectador y llevarle de la mano a lo largo de todo su metraje, incidiendo en chistes "políticamente incorrectos" como todos los referentes a la minusvalía de su protagonista. Bajo la apariencia de comedia sencilla y para pasar el rato, se esconde una película bien construída sobre el valor de la amistad y la superación de los obstáculos de la vida, cuyo engranaje funciona a la perfección y que la convierte en una comedia muy por encima de la media del género, con unos actores estupendos y casi redonda.
"Drive" de Nicolas Winding Refn (EEUU)
"Drive" es un film más que correcto que mezcla drama con acción (y algunos momentos de violencia extrema), extremadamente esteticista y algo pretenciosa, aunque con bastantes momentos de interés. Funciona mejor cuando la historia recoge despecies de otras películas de cine negro clásico y se vuelca en la acción y la violencia (no exenta de ironía como la chaqueta ensangrentada del protagonista que no le impide pasearse tranquilamente por todos lados sin llamar la atención de la gente), que cuando se centra en la parte romántica en desesperada busca de un existencialismo inexistente. Tiene un reparto de lo más atractivo y subtramas desaprovechadas como la vertiente de especialista de cine del prota que sólo vuelve a relucir al final para colocarse una máscara de látex bastante inquietante. Un film interesante que tal vez se tome demasiado en serio a si mismo.
UC (Daniel Farriol)
CRÍTICA de Le Skylab por Elena Cordero
una película familiar
La familia ha sido, desde siempre, un tema recurrente de inspiración para el cine. Tenemos numerosos ejemplos, algunos de los más notables en el cine patrio con La gran familia o La familia y uno más. Este tema tan importante y personal en la vida de cada, nunca deja indiferente a nadie y es que, a pesar de que cada familia es un mundo, se pueden encontrar algunos lugares comunes con los que nos podemos identificar.
En este punto, se encuentra la última película, declaradamente autobiográfica, de la actriz y directora Julie Delpy, conocida por su papel en 'Antes del amanecer' y 'Antes del atardecer'. De esta forma, Le Skylab, ganadora del Premio Especial del Jurado del Festival de San Sebastián, cuenta con gran sentido del humor, la historia de Albertine, una niña de 11 años que se junta con su numerosa familia a pasar un fin de semana en una casa de campo en la Bretaña francesa con el motivo del cumpleaños de la abuela-matriarca familiar y todo ello aderezado con la amenaza de la caída de la estación espacial ‘Skylab’ a la Tierra en el 79.
Tremendamente divertida y tierna, Le Skylab fue un oasis en el desierto de dramas terribles vistos hasta el momento dentro del Festival. Sus personajes realistas y carismáticos nos dejaron algunas situaciones inolvidables y nos trajeton a la mente recuerdos de tiempos mejores en los que bailabas en las fiestas de tu pueblo (solo o acompañado), jugabas todo el día con tus primos y, cuando estabas en lo mejor de la tarde, te tenías que despedir y acababas en el coche llorando de vuelta a casa.
TCM 'American Way of Death: 1990-2010' (artículo escrito por Elena Cordero)
Valla en San Sebastián por Elena Cordero
Además de absoluto acierto que ha supuesto esta interesantísima retrospectiva tan acorde con las noches lluviosas de San Sebastián, desde Universo Cinema queríamos señalar el gran trabajo que el diseñador Gonzalo Cordero ha realizado con la cartelería de esta sección del Festival.
En su último trabajo, Cordero, ha establecido las 10 reglas básicas del género noir dentro del ciclo 'American Way of Death: Cine Negro Americano 1990-2010' patrocinado por TCM.
The ten basic rules of film noir from Gonzalo Cordero de Ciria on Vimeo.
Este profesional de la animación, utilizando la técnica 'frame a frame' ha conseguido dar vida a los tópicos más emblemáticos del género en el video promocional que antecedía a las proyecciones de las películas del ciclo, creando el ambiente propicio para lo que vendría después. Y, de esta forma, los amantes de las femmes fatales y los hombres duros han podido disfrutar de las mejores películas del cine negro, acompañadas de las ilustraciones de este fabuloso profesional.
Si alguien quiere seguir más de cerca el trabajo de este importante diseñador español, puede visitar su blog donde se pueden ver algunos de sus últimos proyectos.
Asimismo, puede encontrar el resto ilustraciones en la página de TCM.
Blog de Gonzalo Cordero: http://www.gonzalocordero.com/blog/